El violonchelo y el tiempo suspendido en Radiohead

Radiohead ha demostrado una disposición notable a experimentar con su sonido, y dos de sus canciones más oscuras y atmosféricas lo demuestran: *Burn the Witch* y *Spectre*. Al analizar estas piezas, surge una pregunta interesante sobre el papel del violonchelo en la banda. ¿Qué opinan los intérpretes cuando se enfrentan a estos arreglos? Y al profundizar en su historia musical, es imposible no notar que estas canciones comparten un vínculo atmosférico profundo con clásicos como *Pyramid Song*.

Lo interesante de *Burn the Witch* es que parece hecha para que un violonchelista se pregunte: «¿Y si dejo de tocar bonito y empiezo a tocar como si algo terrible estuviera a punto de ocurrir?». Jonny Greenwood explicó que esta canción, incluida en el álbum A Moon Shaped Pool, se construyó con los instrumentos de cuerda desde el comienzo. No quería añadirlos como un adorno orquestal a una canción de rock ya terminada; quería que fueran parte fundamental de su identidad.

Hay un detalle revelador sobre la interpretación física del instrumento. Los músicos de la London Contemporary Orchestra tocaron las cuerdas con púas de guitarra para producir ese ataque seco, nervioso y casi mecánico. Esto no es simplemente una melodía acompañada por una orquesta; las cuerdas funcionan como una máquina de tensión que va acelerando hacia algo siniestro.

Ahora, ¿qué dicen los propios violonchelistas? Aunque no existe una colección amplia de entrevistas donde los músicos hablen específicamente de sus sentimientos al interpretar la canción, lo que sí encontramos es revelador. El cuarteto Break of Reality, por ejemplo, reinterpretó la canción con tres violonchelos y un cajón. Una reseña destacó cómo el arreglo se vuelve progresivamente más inquietante y cómo el sonido grave del cello puede sustituir a la voz de Thom Yorke sin perder la atmósfera oscura.

Esto nos lleva a otra conexión fascinante: *Spectre*. Es anterior a *Burn the Witch*, y parecen dos manifestaciones de una misma sensibilidad. Aunque Spectre sea mucho más contenida, ambas comparten esa sensación de estar suspendidos fuera del tiempo, similar a lo que ocurre en *Codex* o *Pyramid Song*. En el caso de *Spectre* y *Burn the Witch*, hay además una historia concreta: Spectre fue grabada para la película de James Bond que lleva ese nombre y se publicó en diciembre de 2015, meses antes de que apareciera A Moon Shaped Pool.

Lo que más destaca es la diferencia en cómo se abordan estas amenazas. En *Spectre*, la tensión es introspectiva; el narrador parece perseguido por algo que no puede sacudirse, con una elegancia trágica de una película de espionaje que termina mal. Greenwood contó que era demasiado oscura para lo que los productores buscaban en una canción de Bond.

En contraste, *Burn the Witch* es la amenaza colectiva. Aquí la ansiedad sale al exterior y las cuerdas atacan rítmicamente, empujando a la canción hacia una catástrofe. Greenwood explicó que la canción se construyó deliberadamente dejando espacio para que las cuerdas fueran protagonistas desde el principio.

En los covers de *Burn the Witch*, ocurre algo curioso: cuando desaparecen la voz y las guitarras, el oyente descubre cuánto de la identidad de la canción ya estaba contenido en las cuerdas. No encontré pruebas suficientes para afirmar que los violonchelistas tengan una opinión colectiva documentada sobre la canción, pero sí hay indicios claros de que los arreglistas valoran *Burn the Witch* como una oportunidad para tratar el cello y las demás cuerdas como instrumentos expresivos y rítmicos.

¿Y si Spectre fuera la banda sonora de la sospecha y Burn the Witch la banda sonora de la paranoia colectiva? Una persona siente que algo la persigue; una sociedad entera decide quién debe arder. Es casi la misma pesadilla, vista desde dos lugares diferentes.